Installer une salle de cinéma maison séduit de plus en plus de passionnés de films ou de séries. Avec des technologies plus accessibles et des envies d’immersion décuplées, le rêve du cinéma privé à domicile devient réalité dans bien des foyers. Quelle que soit la surface de la pièce ou l’espace disponible, certains choix permettent de transformer un simple salon ou une pièce dédiée en véritable home cinéma. Cette aventure mêle solutions techniques, astuces déco, réflexion sur les équipements, sans oublier le plaisir partagé pour choisir les bons fauteuils et maximiser le nombre de places. Plongez dans l’univers des salles de projection privées, où chaque détail compte pour retrouver la magie du grand écran… sans quitter sa maison.

Imaginer son projet de salle de cinéma maison

Se lancer dans la création d’une salle de cinéma maison commence généralement par une phase de rêve et d’imagination. Pour beaucoup, regarder un film dans une ambiance feutrée, entouré de proches et confortablement installé dans des fauteuils moelleux, demeure le comble du luxe au quotidien. Pourtant, profiter d’un cinéma privé n’est pas réservé aux grandes villas retapées : même dans une maison ordinaire, il existe mille façons de concevoir une salle de projection privée idéale.

L’analyse du lieu joue un rôle clé. Une pièce dédiée permet de tout personnaliser : agencement, acoustique ou nombre de places conviendront alors exactement aux envies de chacun. Si l’on manque d’espace, il reste possible d’utiliser un coin du séjour, une chambre inoccupée, voire un sous-sol pour installer les éléments essentiels et goûter à l’immersion depuis chez soi.

Quels enjeux avant l’installation ?

Le préalable indispensable reste de définir ses priorités : immersion visuelle et sonore, convivialité ou modularité du lieu, polyvalence de la pièce utilisée… En fonction du budget, de la surface de la pièce, mais aussi du style de vie du foyer, chaque projet doit être adapté pour correspondre au mieux à ses attentes. Certains choisiront de miser d’abord sur les équipements audio et vidéo, tandis que d’autres accorderont autant d’importance au choix des fauteuils et à l’optimisation du nombre de places disponibles.

Pour amplifier l’ambiance cinéma, le soin apporté à l’isolation phonique ou à la gestion de la lumière naturelle se révèle décisif. Fenêtres occultées, murs isolants, rideaux épais : autant d’atouts qui transforment un espace standard en vrai cocon cinéphile. Même un aménagement minimaliste gagne à intégrer ces paramètres très tôt durant la conception, afin d’offrir une expérience de home cinéma authentique.

Dimensionner sa salle de projection privée

La question des dimensions à privilégier s’invite rapidement lors de la planification. Il n’existe pas de taille obligatoire pour une salle de projection privée, mais certaines recommandations aident à optimiser l’expérience. Un local rectangulaire, dont la largeur suffit à disposer deux ou trois rangées de fauteuils, crée déjà une atmosphère enveloppante.

En général, pour garantir un minimum d’immersion, viser une profondeur de 4 à 5 mètres pour 3 mètres de large convient à bon nombre de projets familiaux. Cela permet souvent d’installer confortablement entre quatre et huit fauteuils selon l’agencement choisi. Dans un espace plus étroit, privilégier la qualité du matériel audiovisuel et l’acoustique peut contrebalancer le manque de recul devant l’écran.

Choisir ses équipements : image, son et mobilier

Le cœur d’un home cinéma reste incontestablement la combinaison écran-projecteur et système audio, mais d’autres aspects jouent fortement sur l’immersion recherchée. S’il existe une grande diversité d’équipements, le principal consiste à trouver l’équilibre entre performance, simplicité d’utilisation et adaptation à la surface de la pièce.

Sélectionner les meilleurs dispositifs dépendra toujours de la configuration du logement et de la fréquence d’utilisation envisagée, sans négliger l’harmonie avec le style de décoration intérieure déjà présent dans la maison.

Quelle solution pour l’image ?

Les amoureux de très grands formats opteront en priorité pour un vidéoprojecteur associé à un écran motorisé, garantissant une ambiance propre à la salle de cinéma maison. Selon la luminosité attendue et la distance de projection disponible, différents modèles satisferont les besoins spécifiques de chaque habitation.

À l’inverse, placer un téléviseur XXL représente parfois une alternative tout aussi performante, en particulier si la pièce sert également à d’autres usages lors de la journée. Les derniers écrans LED ou OLED affichent un rendu très convaincant, facilitent l’installation dans un environnement mixte et ne nécessitent pas forcément d’obscurité totale pour profiter pleinement des séances.

L’importance de l’audio et des fauteuils

Un son enveloppant fait toute la différence. Pour une immersion renforcée, les systèmes multicanaux (5.1, 7.1 voire plus) offrent un rendu bluffant et transforment la moindre explosion ou chuchotement en sensation physique. Des enceintes bien placées, associées à un ampli qualitatif, simulent fidèlement l’atmosphère d’une vraie salle de projection privée.

Côté confort, installer des fauteuils individuels ou quelques canapés modulaires étoffe l’esprit cinéma privé. Miser sur l’ergonomie, la capacité d’inclinaison ou l’ajout de repose-pieds prolonge le plaisir de visionnage plusieurs heures durant. L’objectif ? Adapter le nombre de places à la surface de la pièce, permettre à chaque spectateur de profiter du spectacle dans les meilleures conditions.

• Immersion garantie grâce à un vidéoprojecteur HD approprié
• Sonorisation multicanaux pour un effet surround saisissant
• Fauteuils inclinables pour un maximum de détente
• Commandes centralisées pour piloter éclairage et son facilement

Concevoir une salle de cinéma dans une pièce dédiée

Bénéficier d’une pièce spécialement allouée à cet usage change tout : scénographie, traitement acoustique, isolation et design deviennent alors les priorités. La possibilité de moduler l’éclairage, couvrir les murs de matériaux absorbants ou encore intégrer des tapis épais multiplie les options pour obtenir ce ressenti unique lié au cinéma privé.

Dans une zone conçue dès le départ comme salle de projection, on peut jouer avec la créativité architecturale. Différents niveaux de sol, estrades ou estrade surélevée pour la dernière rangée optimisent la visibilité de chaque place. Même une petite salle trouve ici un cachet inédit.

Optimisation et décoration thématique

Rien n’interdit de décliner une thématique : clins d’œil à des classiques du septième art, affiches originales encadrées, couleur sombre tirée des salles obscures traditionnelles, coussins floqués… Chaque détail cultive le sentiment d’avoir un cinéma rien qu’à soi. Les possibilités sont vastes et grisantes.

D’autres préfèreront une décoration discrète ou contemporaine, en jouant sur des matières nobles et des couleurs douces pour harmoniser leur home cinéma avec les autres pièces de l’habitation. L’atmosphère feutrée prime, indépendamment de l’approche esthétique choisie.

Acoustique et isolation à la loupe

L’acoustique mérite une attention particulière lors de la création d’une salle de cinéma maison. Installer des panneaux muraux absorbants, un faux plafond ou utiliser des rideaux lourds limite la réverbération et bloque les nuisances sonores venant de l’extérieur. C’est l’assurance que chaque séance sera aussi immersive que possible, sans gêner le reste de la maison.

Des solutions efficaces, comme les moquettes épaisses ou les mousses spéciales derrière les enceintes, contribuent notablement à la qualité audio générale. Avec une simple pièce dédiée repensée du sol au plafond, une immersion digne d’une salle de projection professionnelle devient accessible à tous.

Gérer une salle de cinéma maison dans un espace non dédié

Divers foyers choisissent d’intégrer discrètement leurs équipements dans le salon, une véranda rénovée ou même un garage transformé. Dans ce cas, l’enjeu réside dans l’équilibre entre fonctionnalité quotidienne et plaisir du cinéma privé occasionnel. Miser sur du matériel escamotable facilite la cohabitation entre les moments en famille et les projections entre amis.

L’optimisation passe parfois par des compromis astucieux : un écran rétractable monté au plafond, des enceintes sans fil positionnées temporairement ou encore des rangements intégrés permettant de libérer totalement l’espace en dehors des séances.

Astuces pratiques pour maximiser le confort

Adopter des fauteuils mobiles ou pliables, réserver un recoin pour ranger rapidement les accessoires, ou équiper la pièce de stores occultants aide à créer un univers immersif en peu de temps. Le choix d’équipements compacts, faciles à déplacer ou à dissimuler, simplifie le quotidien dans les habitats où chaque mètre carré est compté.

Intégrer la domotique pour contrôler lumières, store et appareils assure également cette flexibilité tant recherchée. Une programmation adaptée suffit pour tamiser l’éclairage, mettre en route la projection et plonger toute la famille dans le noir comme au cinéma.

Une aventure au-delà des dunes de Tatooine. Avec Luke Skywalker, le premier film de la saga Star Wars a transporté des millions de spectateurs dans un univers fascinant. 47 ans après la première trilogie, la saga continue d’influencer profondément les habitudes de divertissement à travers le monde. Découvrez ici comment cette franchise continue de marquer les esprits.

Star Wars : précurseur d’une immersion en science-fiction

George Lucas a posé les fondements d’une profonde immersion en science-fiction. Avec star Wars, l’auteur crée un environnement nouveau marqué par l’usage des effets spéciaux. Grâce aux technologies avancées, Star Wars offre des expériences visuelles inédites. Par exemple, la gigantesque étoile de la mort illustre parfaitement cette avancée technologique. Les personnages emblématiques tels que Yoda et Chewbacca sont aussi le fruit de cette vision novatrice.

L’immersion dans l’univers de Star Wars ouvre une exploration intéressante sur les effets sonores. Les combats intenses au sabre laser avec leurs sons artificiels et leurs lumières transportent les spectateurs au cœur de l’action. Aujourd’hui, cette expérience peut être vécue dans la réalité grâce aux sabres laser comme le SLF – Sabre Laser France, idéal pour mener vos duels. Cette pièce de collection exceptionnelle témoigne de la passion pour le film. Fabriqué en aluminium et polycarbonate, ce sabre laser vous permet non seulement d’exprimer votre amour pour Star Wars, mais aussi de profiter de ses multiples effets sonores et lumineux. Que ce soit comme objet décoratif ou pour vous immerger dans l’univers des Jedi, votre joyau est un compagnon idéal.

Star Wars : à la base d’un univers étendu de produits dérivés

Star Wars a ouvert la porte à plusieurs réalisations artistiques, notamment les célèbres sabres laser et leurs accessoires comme le pose sabre laser, la lame, et le coupleur de sabre laser. Au-delà des sabres laser, découvrez un univers étendu de produits dérivés pour tous les fans. Que vous soyez un adulte passionné, un adolescent fan inconditionnel ou un enfant en quête d’aventure, chaque produit est conçu pour prolonger l’expérience de Star Wars au quotidien.

Par exemple, vous pouvez vous offrir des figurines détaillées ou des casques. Les écharpes et les habits inspirés sont également symboliques et emblématiques. Pour les fans, chaque article offre une manière unique de se plonger dans l’univers galactique, notamment lors des occasions spéciales comme le Comic Con. Vous pouvez par ailleurs organiser vous-même une soirée Star Wars. À travers les accessoires et les combinaisons, chaque participant contribuera au succès de votre événement.

Star Wars : un héritage filmographique durable

L’œuvre de George Lucas n’influence pas seulement les habitudes des fans. En effet, Star Wars laisse également une empreinte indélébile sur le cinéma et la culture populaire. La saga ouvre la voie à d’autres franchises majeures. Marvel Studios adopte des approches similaires à Star Wars. Ils introduisent d’abord des personnages individuels comme Iron Man, Thor et Captain America. Ensuite, ils les réunissent dans des films comme « The Avengers ».
Ce modèle permet aux spectateurs de suivre des arcs narratifs complexes. De plus, Marvel utilise des scènes post-génériques pour connecter leurs films et teaser les prochaines sorties. Cet héritage de Star Wars est tout aussi remarquable dans la série Big Bang Theory, où l’obsession de Sheldon et de ses amis pour Star Wars est manifeste. Par exemple, Sheldon se compare à Monsieur Spock, notamment pour son sens de la logique. Cela illustre parfaitement l’influence de Star Wars sur la culture geek moderne.

De plus, son inconscient prend parfois la forme du Professeur Proton, revêtu d’un costume de Jedi. Cela symbolise l’intégration continue de Star Wars dans la vie quotidienne de Sheldon et son cercle d’amis.

Ce soir sera diffusé le 45e épisode de la série Les Petits meurtres d’Agatha Christie. Après 3 saisons, les scénaristes et producteurs ont décidé d’arrêter ces adaptations de romans.  Les héritiers de la célèbre romancière avaient pour la première fois accepté que de nouveaux personnages et de nouvelles histoires soient créées sous le nom d’Agatha Christie.

Cette série a été financée en grande partie par France Télévision. Il s’agit d’un succès français exceptionnel, puisque cette série s’est vendue dans plus de 60 pays. Ces 45 épisodes pouvaient s’apparenter à des films à part entière. Ils ont couté environ 2,5 millions € chacun.

Certains épisodes sont encore disponibles sur la plateforme France.TV.

Bonjour à tous, nous vous souhaitons une excellente année 2024. Il est temps pour nous de vous dévoiler les films qui ont été le plus consultés et critiqués sur notre site meilleurs-films.fr. Ce classement a été réalisé en prenant en compte les 1 203 700 visiteurs qui ont consultés notre site au cours de l’année dernière.

Top 12 / Classement des films les plus regardé en 2023

Vous étiez peut-être passé à côté l’année dernière, alors voici les films les plus plébiscités par les internautes. Attention, il ne s’agit pas forcément des meilleurs films de l’année dernière mais des long-métrages dont on a entendu le plus parler et qui ont été le plus recherchésen ligne.

1. After – Chapitre 5
2. Alibi.com 2
3. La Petite Sirène
4. Oppenheimer
5. Barbie
6. La Dernière reine
7. Black Panther 2
8. La Nonne 2
9. Tyler Rake 2
10. Beautiful Disaster
11. Avatar 2 : la voie de l’eau
12. Sisu : De l’Or et du sang
13. Lamborghini, l’homme derrière la légende

Nous avons bien sûr rajouté ce 13ème film presqu’ex-aequo avec le film Sisu. On constate que les films qui ont le mieux marché sont des suites, prncipalement des films de genre : romantiques, comédies ou des films d’action à gros budgets.

Le cinéma peut-être considéré comme le miroir de nos sociétés. Il va même jusqu’à en accentuer tous les traits. On y retrouve notamment tous les grands vices propres à l’homme. Parmi eux, on retrouve l’addiction liée aux jeux de hasard et son impact sur les individus. Certains films se distinguent par leur capacité à sensibiliser aux risques et encouragent les spectateurs à considérer les jeux de hasard avec une perspective critique. Il s’agit bien d’un cinéma engagé ! Si vous voulez vous aussi explorer le monde du jeu, testez ce Code Bonus pour Casino en ligne afin de commencer à jouer sans dépenser d’argent.

Voici les perspectives de prévention, illustrés par 8 films mémorables qui nous plongent dans les plus grands casinos de Las Vegas.

4 perspectives cinématographiques qui vont soigner vos pulsions

Rien de mieux qu’une mise en contexte pour comprendre les risques des jeux de hasard. Ces films créent un langage visuel pour aider les spectateurs à mieux comprendre et évaluer cet aspect de notre société. Les scénaristes et réalisateurs qui osent parler de ces sujets encouragent la réflexion en nous mettant à la place de personnages fictifs.

Voici les grandes fonctions préventives abordées :

• La conscience : Certains films élèvent la conscience des spectateurs sur les conséquences négatives des jeux de hasard et les risques de dépendance.
• L’influence psychologique : Les drames et les thrillers peuvent montrer les aspects psychologiques de la dépendance aux jeux de hasard et son impact sur la famille et la personnalité.
• Les exemples positifs : Les films peuvent également présenter des exemples positifs de personnages qui ont surmonté leur dépendance et ont trouvé une nouvelle voie de vie saine.
• La fonction éducative : certains films peuvent révéler les mécanismes de ces divertissements, ainsi que leurs conséquences.

7 films qui font la prévention de ces risques

Owning Mahowny / Mister Cash (2003)

Basé sur des faits réels, ce film raconte l’histoire d’un banquier qui devient accro aux jeux de hasard. Owning Mahowny explore non seulement les aspects financiers du jeu, mais aussi la perte de contrôle sur la vie personnelle.

John Mahowny, le protagoniste du film, se retrouve dans une grave crise financière, mais au lieu de résoudre ses problèmes, il se tourne vers les jeux de hasard dans un casino. Son arrogance et son désir compulsif de gagner le conduisent à tenter de tromper la banque où il travaille pour couvrir ses pertes.

L’un des thèmes clés du film est la révélation de la façon dont le jeu peut influencer un individu normal, même attrayant et prospère. Mahowny devient dépendant du jeu, perd le contrôle de sa vie et se retrouve impliqué dans des activités criminelles.

« Owning Mahowny » montre le côté sombre des habitudes de jeu. Le film laisse le spectateur se poser des questions sur le prix qu’une personne peut payer pour cette passion et sur les conséquences qu’elle peut avoir pour elle-même et pour son entourage.

The Gambler (2014)

Ce film relate l’histoire d’un professeur de littérature qui devient dépendant aux jeux de hasard. « The Gambler » examine le thème de l’instabilité et des aspects psychologiques liés aux jeux de hasard.

Le protagoniste, Jim Bennett, interprété par Mark Wahlberg, est un professeur de littérature qui, malgré sa réussite apparente, sombre dans une spirale autodestructrice de jeux de hasard. Sa fascination pour le risque et l’excitation des casinos le conduit à accumuler des dettes monumentales.

Le film explore les thèmes de l’identité, de l’autodestruction et du désir de contrôler le destin. Bennett, malgré son intelligence, se trouve pris au piège de ses propres choix impulsifs, mettant en péril sa carrière, sa vie personnelle et sa relation avec ses proches.
« The Gambler » ne se limite pas à une simple histoire de jeu, mais offre une plongée profonde dans l’âme humaine et les conséquences dévastatrices de l’addiction. Le spectateur est emmené dans un voyage émotionnel intense, confronté à la fragilité de la condition humaine face à la puissance addictive des jeux de hasard.

Lady Chance / The Cooler (2003)

Dans ce film, l’histoire d’un homme ayant un effet miraculeux de « porte-bonheur » sur les joueurs est présentée. « The Cooler » met en lumière l’influence de la chance et du malheur sur les individus plongés dans le monde du jeu.
Bernie, interprété par William H. Macy, est un « porte-malheur » professionnel engagé par un casino pour refroidir la chance des joueurs chanceux. Cependant, sa vie prend un tournant inattendu lorsqu’il tombe amoureux d’une serveuse, ce qui compromet son rôle de « cooler ».
Le film aborde des thèmes tels que le destin, la rédemption et l’amour inattendu. L’histoire de Bernie offre une réflexion profonde sur la nature capricieuse de la chance et sur la manière dont les relations humaines peuvent transcender les circonstances difficiles.
« The Cooler » se distingue par son approche originale du genre du drame romantique et par sa capacité à mélanger l’intrigue des jeux de hasard avec une histoire d’amour touchante. Le spectateur est emporté dans un tourbillon d’émotions, confronté à la question universelle de savoir si le destin peut être modifié par l’amour et la rédemption.

Las Vegas 21 (2008)

Basé sur des faits réels, ce film raconte l’histoire d’un groupe d’étudiants utilisant des stratégies de comptage de cartes au blackjack pour gagner au casino. « 21 » souligne les risques et les conséquences des tentatives désespérées de tromper le système. Le film « 21 » est un thriller captivant qui puise son inspiration dans l’histoire réelle d’un groupe d’étudiants brillants utilisant des stratégies de comptage de cartes au blackjack pour gagner au casino. Réalisé par Robert Luketic, le film offre une plongée palpitante dans le monde des jeux de hasard et des enjeux élevés.

L’histoire suit Ben Campbell, interprété par Jim Sturgess, un étudiant doué en mathématiques qui, sous la tutelle du charismatique professeur Micky Rosa (Kevin Spacey), rejoint une équipe secrète de stratèges de cartes à Las Vegas. Leur objectif est de battre les casinos en utilisant des compétences mathématiques avancées pour prédire les résultats au blackjack.

Le film explore des thèmes tels que la tentation, la loyauté et les conséquences imprévues de la recherche du succès rapide. Alors que l’équipe accumule des gains impressionnants, les tensions montent et les risques deviennent de plus en plus grands.
« 21 » offre une réflexion fascinante sur les limites morales et éthiques, tout en offrant des scènes de jeu palpitantes. Le spectateur est transporté dans l’univers glamour et périlleux de Las Vegas, confronté à des dilemmes moraux complexes et à la réalité souvent implacable du monde des casinos.

Casino (1995)

Casino (1995) est un film réalisé par Martin Scorsese qui explore le monde des casinos à Las Vegas et ses liens troubles avec la mafia. Les rôles principaux sont interprétés par Robert De Niro, Sharon Stone et Joe Pesci.

L’histoire se déroule dans les années 1970 et suit le personnage de Sam « Ace » Rothstein, joué par De Niro, un gestionnaire de casino talentueux chargé de superviser l’établissement de jeux Tangiers. Rothstein tombe amoureux de Ginger McKenna, jouée par Stone, une ancienne prostituée, tandis que le personnage de Pesci, Nicky Santoro, apporte une dose de violence en tant que bras droit de Rothstein.
Le film explore les thèmes de la cupidité, du pouvoir et de la chute, avec des scènes dynamiques de jeux de hasard et une narration complexe. « Casino » offre une plongée profonde dans les coulisses de l’industrie du jeu et les conséquences désastreuses de la corruption.

Ce film, avec sa réalisation magistrale et ses performances exceptionnelles, est devenu un classique du cinéma, offrant une perspective fascinante sur l’univers souvent glamour mais impitoyable des casinos à Las Vegas.

Croupier (1998)

Croupier (1998) est un film réalisé par Mike Hodges, centré autour de l’univers des casinos et du métier de croupier. Le protagoniste, Jack Manfred, est interprété par Clive Owen, et il incarne un écrivain en difficulté financière qui accepte un travail de croupier dans un casino de Londres.

Le film se déroule dans le monde fascinant et parfois sombre des jeux de hasard, où Jack observe la vie des joueurs tout en restant en retrait en tant que croupier impartial. L’histoire se complexifie lorsque Jack devient impliqué dans une série d’événements mystérieux et dangereux.
« Croupier » explore les thèmes de l’obsession, de la chance et de la manipulation, tout en fournissant un regard réaliste sur l’envers du décor des casinos. La narration subtile et les performances convaincantes de Clive Owen font de ce film une œuvre intrigante et complexe.
L’utilisation habile de la narration à la première personne, combinée à des éléments de film noir, confère à « Croupier » une atmosphère unique. Le film offre une réflexion profonde sur la nature humaine et les choix moraux dans un environnement où la frontière entre le bien et le mal peut être floue.

Mississippi Grind / Under Pressure (2015)

Mississippi Grind (2015) est un film réalisé par Anna Boden et Ryan Fleck, qui suit deux joueurs passionnés lors d’un voyage le long de la rivière Mississippi, cherchant à renverser leur chance au poker. Les rôles principaux sont joués par Ryan Reynolds et Ben Mendelsohn.
L’histoire se concentre sur Gerry, un joueur invétéré en difficulté financière, et Curtis, un charmeur professionnel avec une chance fluctuante. Ensemble, ils entreprennent un périple à travers le Sud des États-Unis, faisant face à des hauts et des bas tout en pariant gros dans des parties de poker clandestines.

Le film explore les thèmes de l’amitié, du destin et des choix de vie, avec des performances exceptionnelles de la part de Reynolds et Mendelsohn. La réalisation subtile de Boden et Fleck donne au film une atmosphère authentique et émotionnelle.

« Mississippi Grind » offre une perspective réaliste sur le monde du jeu, soulignant les risques et les récompenses qui accompagnent l’obsession du jeu. Le cadre le long de la rivière Mississippi devient une métaphore visuelle de leur voyage intérieur, où les cartes qu’ils jouent reflètent souvent les cartes de leur propre destin.

Ce film captivant explore la complexité de la nature humaine et la manière dont le jeu peut être à la fois une échappatoire et un piège. La narration subtile et l’exploration des relations humaines font de « Mississippi Grind » un ajout unique au genre des films sur le jeu.

La star étasunienne Mary J. Blige sort deux films inspirés de ses chansons, Real Love (juin 2023) et Strength of A Woman (2023). Les 2 films seront diffusés aux états-unis sur la chaine Lifetime.

L’été est souvent une période propice à la détente et aux loisirs, et quoi de mieux que de profiter des chaudes soirées estivales pour se divertir en famille ou entre amis ? La programmation télévisée française ne déroge pas à la règle avec un programme TNT riche en émotion. Entre téléfilms captivants et émissions de téléréalité palpitantes, voici un aperçu des sorties les plus attendues de l’été.

Les fictions les plus attendues à la télé

Le terreau de la colère, le 30 juin 2023 sur ARTE

Ce film allemand est un drame social qui retrace l’histoire d’une famille qui s’installe à la campagne. Cette fiction ancrée dans le réel met en avant les failles de l’ascenseur social et les difficultés rencontrées par une famille de la classe moyenne. La bande annonce est disponible ici.

L’Incroyable Embouteillage, le téléfilm de M6, le 05 juillet 2023

Cette nouvelle fiction propose un casting incroyable, avec Miou-Miou, Thierry Lhermitte et Patrick Timsit. Tout le monde part en vacances début juillet, et bison futé annonce une journée rouge sur les grands axes d’autoroute… Plus d’infos à propos de ce film.

Mission impossible : Fallout, le 06 juillet 2023 sur M6

diffusé pour la première fois à la télévision, ce nouveau volet de Mission Impossible rassemble encore une fois l’équipe d’Ethan Hunt. Suite à l’échec de leur dernier coup, ils sont lancés dans une course contre la montre.

Joyland, diffusé pour la première fois le 29 juin 2023 à la télévision

Ce film a été révélé lors du festival de Cannes 2022. Sorti au cinéma le 28 décembre 2022, il sera disponible cet été sur Canal+ et MyCanal. Visionnez la bande annonce ici.

Conversations With Friends, la série UK la plus attendue débarque sur Canal+

Cette série britanique  débarque le 30 juin sur Canal+ et MyCanal. Il s’agit de l’adaptation du premier roman de Sally Rooney. Deux étudiants de Dublin, Frances et Bobbi, tissent des liens étranges avec un couple marié, Melissa et Nick… Consultez la bande annonce ici !

Tirailleurs, diffusé pour la première fois le vendredi 07 juillet sur Canal+

En 1917, un jeune Sénégalais est envoyé de force au front. Son père le suit pour le sauver. Un film de guerre aux visions à la fois marquantes et intimistes, attachantes, pour un récit historique nouveau, à travers le regard des tirailleurs africains. Regardez le film ici.

Les programmes sportifs à ne pas manquer cet été

La Coupe du monde féminine 2023 – du 20 juillet au 20 août

Après de nombreuses négociations sur la diffusion de ce tournoi féminin, ce sont France Télévisions avec le groupe M6 qui ont pris les devants. Vous pourrez donc regarder l’ensemble des matchs en direct, à partir du 20 juillet.

Le tour de France, à partir du 1er juillet sur France 2 et France 3

Vous pourrez regarder en direct toutes les étapes du tour depuis votre salon. L’ensemble des étapes de la compétition cycliste sera retransmise sur France 2 et France 3.

Les premières nominations au festival de Cannes sont tombées le 14 avril 2023. Comme tous les festivals de cinéma, cet événement propose de faire découvrir des chefs d’oeuvres de l’audio-visuel, qui ne répondent pas aux critères de la compétition. Cela permet parfois de faire un hommage au cinéma en diffusant un film qui propose une mise en abime du grand écran. Il est également possible de diffuser un film étranger ou encore inconnu, qui n’avait jusque là jamais été diffusé en France. Bref, tout est permis ! Nous rappelons que ces films hors-compétition sont parfois diffusés au cinéma partout en France, lors de projections spéciales.

Les films hors-compétition 2023.

 

• Jeanne du Barry, de MAÏWENN
• Indiana Jones et le Cadran de la Destinée, de James MANGOLD
• Cobweb, de KIM Jee-woon
• The Idol, de Sam LEVINSON
• Killers of the Flower Moon, de Martin SCORSESE

Updates du 24-04-2022: ajout d’un titre hors compétition.

• L’Abbé Pierre – Une vie de combats, de Frédéric TELLIER

La 76ème édition du festival de Cannes est enfin annoncée. Cet événement tant attendu chaque année en France, se déroulera du mardi 16 au samedi 27 mai 2023. La nouvelle présidente du Festival de Cannes, Iris Knobloch, et son délégué général Thierry Frémaux ont annoncé ce jeudi 13 avril les films nominés pour cet événement. Cette année, c’est le réalisateur suédois Ruben Östlund (deux fois Palme d’or) qui présidera le Jury.

Les nominations pour la compétition officielle.

• Club Zero, De Jessica Hausner
• The Zone Of Interest, De Jonathan Glazer
• Fallen Leaves, De Aki Kaurismaki
• Les Filles D’Olfa, Kaouther Ben Hania
• Asteroid City, De Wes Anderson
• Anatomie D’une Chute, De Justine Triet
• Monster Kore-eda, D’ Hirokazu
• Il Sol Dell’avvenire, De Nanni Moretti
• L’été Dernier, De Catherine Breillat
• Les Herbes Sèches (Kuru Otlar Ustune), De Nuri Bilge Ceylan
• La Chimera, De Alice Rohrwacher
• La Passion De Dodin Bouffant, De Tran Anh Hùng
• Rapito, De Marco Bellocchio
• May December, De Todd Haynes
• Jeunesse Wang, De Bing
• The Old Oak, De Ken Loach
• Banel E Adama, De Ramata-toulaye Sy
• Perfect Days, De Wim Wenders
• Firebrand, De Karim Aïnouz

Updates du 24-04-2022: ajout de 2 titres pour la compétition officielle.

• Black Flies, de Jean-Stéphane SAUVAIRE
• Le Retour, de Catherine CORSINI

Les années 90, une période souvent idéalisée et chérie par le public. Sans tomber dans le boomeresque « tout était mieux avant », il convient de s’incliner face à la nostalgie d’une époque où nous vivions sans smartphone, d’amour, d’eau fraîche, et de films absolument mythiques qu’on ne se lassera jamais de revoir !

Pulp Fiction (1994)

On ne le présente plus, tout le monde le connaît, et ceux qui ne l’ont pas encore vu devraient avoir honte, sans rire ! De scène culte en scène culte, suivons les aventures parallèles d’un panel de personnages bariolés, ayant pour seul point commun d’être liés au microcosme de la pègre californienne. Véritable manifeste pour Tarantino, Pulp Fiction est très vite devenu le mètre-étalon du film « alternatif » moderne. Un exemple que d’autres ont maintes fois tenté d’imiter, sans jamais réellement l’égaler. Porté par son casting au poil, sa bande-son devenue classique, et son esthétique badass qui ne tombe jamais dans le cliché. Une œuvre d’art qui traîne en haut des listes de films incontournables depuis sa sortie en 1994.

Casino (1995)

Avec ce titre qui annonce tout de suite la couleur, le réalisateur de Casino a sans aucun doute voulu mettre toute les chances de son côté, et n’a pas hésiter à parier sur Robert De Niro pour mener le jeu ! C’est le genre d’atout qu’on garde dans sa manche quand on s’appelle Martin Scorsese, et c’est bien évidemment la mafia qui s’assure de jolies marges aux Tangiers, sulfureux établissement ancré dans l’âge d’or révolu du Las Vegas des années 70. Si ça sent le vécu, c’est normal, car le film est largement inspiré des pratiques de l’époque : quand les parrains eux-mêmes partageaient les biffetons dans les arrières salles, et où une grosse dette à la roulette ou un simple plan triche au Texas Hold’em était souvent synonyme d’une bien brusque fin de partie…

En parlant de roulette américaine, cette dernière occupe une place de choix dans l’imaginaire collectif du cinéma, en particulier lorsqu’il s’agit de représenter l’excitation et le glamour des casinos.

Léon (1994)

Il fut un temps où tout ce que touchait Luc Besson se transformait en or… Après avoir testé son prototype de « nettoyeur » dans le (relativement) confidentiel Nikita (1990) le moment vint pour le réalisateur d’explorer les possibilités apportées par un tel personnage dans le cadre d’un long métrage à gros budget. Un tueur aussi solitaire que sans merci nommé Léon fait la connaissance d’une gamine paumée, Mathilda. Du haut de ses 12 ans, la pré-ado en a déjà vu de toutes les couleurs, et compte bien venger la mort de son petit frère abattu lors d’une perquisition menée par des flics ripoux. Un film à la fois sensible et violent, qui vous fera vibrer de son action à la dure aussi bien qu’il vous tirera des larmes.

Il faut sauver le soldat Ryan (1998)

Le nom de Spielberg en haut d’une affiche n’est peut être pas le signe d’une œuvre allant repousser les limites créatives du 7ème art, mais c’est sans aucun doute la garantie d’un produit soigneusement manufacturé et packagé, une sorte de label rouge du cinéma qui nous permettrait d’indiquer à l’avance que « Oui, même s’il ne réinvente pas la roue, le film vaut le coup ». Il semble que ces propos étaient déjà valables il y a près de 25 ans à la sortie d’Il faut sauver le soldat Ryan. Notre maestro d’outre-Atlantique s’était attaché à retranscrire de la manière la plus réaliste possible le sacrifice des soldats alliés débarqués à Omaha Beach, en Normandie occupée. 170 minutes (eh oui, c’est bien un Spielberg…) qui ont révolutionné le genre du film de guerre.

Jurassic Park (1993)

On estime que jusqu’à 40% des sorties cinéma sont au départ des adaptations, et cela vous surprendra peut-être, mais c’est également le cas pour ce film ! Ecrit par Michael Crichton dont le roman servira de base à l’adaptation cinématographique, Jurassic Park explore des sujets relativement inédits pour l’époque, en particulier la biogénétique et ses dérives. Mais Jurassic Park c’est surtout un succès commercial absolument immense et -ironiquement- basé sur l’exploitation des meilleurs amis des enfants depuis plus de 65 millions d’années, j’ai nommé les dinosaures ! Un succès à tous les étages : critique, technique, commercial, le film enregistre des profits records à l’époque. Il faudra en effet attendre la sortie d’un autre mastodonte pour le détrôner quatre ans plus tard, avec Titanic de James Cameron.

A travers ces cinq titres devenus cultes, nous espérons raviver la flamme du souvenir de cette ère regrettée par beaucoup que furent les années 90. Une bonne occasion de ressortir le lecteur VHS qui traîne à la cave et d’éduquer les nouvelles générations à la pop culture de cette époque où tout semblait encore possible.

Cette série LGBTQ+ raconte la rupture brusque et soudaine d’un couple gay à New York, après 15 ans de vie commune. Mickael a 40 ans passés (joué par le charismatique Neil Patrick Harris), il doit se faire à l’idée que l’homme de sa vie est parti et apprendre les nouvelles règles de la drague dans le milieu gay.

Malgré une première saison réussie, Netflix annonce le 13 janvier 2023 que la saison 2 ne sera pas renouvelée.

Après notre classement des fiches de films les plus consultés en 2022, voici les séries qui ont suscitées le plus d’intérêt sur notre site en 2022.

Découvrez le classement des séries les plus consultées sur notre site en 2022 !

1. Le Flambeau : les aventuriers de Chupacabra
2. La Flamme
3. The Sex Lives of College Girls
4. Pretty Little Liars: Original Sin
5. Game Of Thrones: House of the Dragon
6. Tokyo Vice
7. Legacy (Emanet)
8. Inventing Anna
9. Vampire Academy
10. Sissi
11. The Confessions of Frannie Langton
12. OVNI(s)

 

Cette année, certains films ont plus particulièrement suscité l’attention des français. Avec près de 800 000 visiteurs uniques qui sont venus consulter notre base de donnée cette année, nous avons pu faire ce classement très intéressant ! Les films les plus consultés sont généralement des blockbusters, films à gros budget, avec beaucoup d’effets spéciaux et des grosses têtes d’affiches. Mais ce n’est pas toujours le cas.

Voici les films les plus vus sur notre site en 2022 :

1. Qu’est-ce qu’on a tous fait au Bon Dieu ?
2. Uncharted
3. After – Chapitre 4
4. Black Panther 2 : Wakanda Forever
5. Belle
6. Ima
7. Alerte rouge
8. Spider-Man: No Way Home
9. Encanto, la fantastique famille Madrigal
10. Jurassic World 3 : le monde d’après
11. Les Animaux Fantastiques 3 : Les Secrets de Dumbledore
12. Les Tuche 4

 

Bienvenue dans le monde excitant du streaming de films de casino. Si vous êtes un amateur de films sur les jeux de hasard et de casinos, vous êtes au bon endroit. Les films de casino sont connus pour leur intrigue captivante, leur action palpitante et leur ambiance unique. Ils vous transportent dans un monde de glamour où tout peut arriver. Alors, installez-vous confortablement et plongez dans l’univers des films de casino.

Les films classiques du casino à voir absolument

Avec l’émergence de la technologie, il existe désormais des casinos en ligne. Certains offrent même la possibilité d’engranger des bonus sans dépôt comme ici. De même, le casino est un lieu emblématique qui a été immortalisé dans de nombreux films. En effet, l’ambiance mystérieuse et élégante des casinos a inspiré de nombreux cinéastes à réaliser des films historiques du cinéma. Ainsi, les films classiques du casino sont nombreux et variés, et il est indispensable pour tout amateur de cinéma de les découvrir. Que vous soyez fan de James Bond ou non, vous trouverez sans doute des films qui vous transporteront dans l’univers du casino.

Parmi les films classiques du casino à voir absolument, on peut citer Casino, de Martin Scorsese. Ce film raconte l’histoire de Sam « Ace » Rothstein. C’est un joueur professionnel qui est engagé par un casino de Las Vegas pour gérer ses affaires. Ce film est une véritable plongée dans l’univers impitoyable des casinos de Las Vegas dans les années 70. Avec une interprétation magistrale de Robert De Niro dans le rôle principal, « Casino » est un film à ne pas manquer.

Un autre film classique du casino à découvrir est Croupier (1999) de Mike Hodges. Ce film met en scène Clive Owen dans le rôle d’un écrivain ruiné qui accepte un emploi de croupier dans un casino. Le personnage de Clive Owen est fascinant et mystérieux. De plus, l’ambiance sombre et énigmatique du film contribue à créer une atmosphère captivante.

Enfin, impossible de parler de films classiques du casino sans évoquer la série de James Bond. Depuis les années 60, l’agent secret britannique a fait de nombreuses apparitions dans des casinos mythiques, notamment dans Casino Royale  (2006) et GoldenEye (1995). Ces films sont des incontournables pour les amateurs de cinéma d’action et d’espionnage, mais également pour les amateurs de casinos. Les scènes de poker et de baccarat sont particulièrement mémorables, et ont inspiré de nombreux joueurs de casino dans le monde entier.

Les films qui ont inspiré les jeux de casino en ligne les plus populaires

Les films ont longtemps été une source d’inspiration pour les jeux de casino en ligne. En effet, certains des jeux les plus populaires dans l’industrie des jeux en ligne ont été créés à partir de films. Ces jeux offrent aux joueurs une expérience immersive, en leur permettant de revivre les moments les plus marquants du film. Les casinos en ligne ont ainsi réussi à transformer les films en jeux de casino passionnants, qui attirent les joueurs du monde entier.

Les films d’action et d’aventure sont particulièrement populaires parmi les jeux de casino en ligne inspirés de films. Par exemple, la franchise James Bond a inspiré plusieurs jeux de casino en ligne, dont les jeux de cartes. Les joueurs peuvent ainsi revivre les moments les plus palpitants des films de Bond en pariant sur des jeux comme la roulette.

Les films de science-fiction sont également une source d’inspiration pour les jeux de casino en ligne. Les jeux de casino en ligne inspirés de films tels que Star Wars offrent aux joueurs des graphismes époustouflants. Ces jeux de casino en ligne transportent les joueurs dans des univers futuristes. Ils leur permettent de vivre des aventures extraordinaires en pariant sur des jeux de hasard.

Au cours de cette année 2022, nombreux sont les blockbusters sortis qui ont tenu en haleine les passionnés du genre. Parmi eux, certains ont eu plus d’impact que d’autres sur les cinéphiles grâce à leur scénario, aux acteurs, etc. De Tom Cruise qui effectue un vol en avion de chasse à des vitesses de Mach 10 à Brad Pitt qui combat dans un train à grande vitesse, les films les plus connus sortis cette année ont révélé de mémorables scènes ou récits et ont été sur toutes les langues ou créé de grands débats chez les fans. À deux mois de la fin de cette année, il est temps de revenir sur quelques-uns de ces succès les plus marquants.

The Batman (2022)

Il s’agit d’une œuvre cinématographique américaine éditée par DC Comics et réalisée par Matt Reeves. The Batman 2022 est un film d’action/drame qui cette fois n’est pas lié au DCEU et dans lequel l’homme chauve-souris des comics-books est incarné par Robert Pattinson. Ce long métrage raconte l’aventure de Bruce Wayne alias Batman dans l’enquête sur une série de crime qui l’envoie dans la pègre.

Dans ce blockbuster, Batman s’oppose au Pingouin (Colin Farrell) et à l’homme mystère (Paul Dano) dans le but de démasquer le coupable et de rétablir un peu de justice au milieu de la corruption et de l’abus de pouvoir qui sévit à Gotham City depuis des lustres. Au cours de son investigation, le justicier masqué fera la rencontre de nombreux personnages comme Selina Kyle surnommé « Catwoman » avec laquelle il va nouer une nouvelle relation. En outre, The Batman a reçu des critiques favorables de la part du public et s’est imposé en très peu de temps comme l’un des films les plus impressionnants de 2022.

Top Gun : Maverick

Sorti le 25 Mai 2022, Top Gun : Maverick est un film d’action/aventure réalisé par Joseph Kosinski avec Tom Cruise comme acteur principal. Cette œuvre cinématographique vient faire suite au film culte de Tony Scott sorti en 1986. Pete « Maverick » Mitchell (Tom Cruise) après avoir été pendant plus de 30 ans l’un des meilleurs pilotes de chasse de la marine américaine, essaye toujours de repousser ses limites comme pilote d’essai. Dans cette optique, Pete refuse toute sorte de promotion qui pourrait l’obliger à renoncer à effectuer des vols. Il est ensuite chargé de former un groupe de jeunes diplômés provenant du programme Top Gun pour une mission spéciale, voire suicidaire. Hanté par les fantômes de son passé, Maverick va devoir se confronter à ses pires cauchemars lors d’une mission qui lui demandera le plus grand des sacrifices. Véritable succès au box-office, ce film a provoqué beaucoup d’émotion en faisant même pleurer des téléspectateurs selon les premières réactions.

Top Gun : Maverick connait déjà une énorme popularité à l’instar du premier volet de la saga Top Gun sorti il y a 36 ans. Ce dernier était tellement connu qu’il a inspiré la création de nombreux produits comme le jeu vidéo Top Gun sorti sur Atari ST, Nintendo et Commodore 64 ainsi que le jeu de casino Top Gun signé Playtech et disponible sur tout bon casino en ligne légal au Québec. Mieux, grâce aux guides, vous n’aurez aucun mal à trouver un établissement de jeu très sûr et fiable. Rien ne vous empêchera donc de trouver un casino en ligne légal au Québec où vous inscrire pour prolonger l’aventure avec Tom Cruise grâce à cette machine à sous et des centaines d’autres.

The Northman

C’est un long métrage réalisé et co-écrit par Robert Eggers et joué par Nicole Kidman et Alexander Skarsgard. L’intrigue de ce film d’action/aventure s’articule autour d’un jeune prince viking prêt à tout pour venger le meurtre de son père. En effet, il est question d’Amleth, fils du roi qui voit son oncle assassiner son père et s’emparer de sa mère. Il fuit alors le royaume en barque en jurant de rendre justice. Vingt ans plus tard, Amaleth est devenu un véritable guerrier viking qui attaque puis pille les villages slaves jusqu’à ce qu’il rencontre une voyante. Cette dernière lui rappelle alors son vœu de tuer son oncle, de sauver sa mère et de venger son père. Amaleth décide alors d’embarquer sur un bateau pour l’Islande, son île natale où il fait la connaissance d’Olga, une esclave qui l’aidera à perpétrer sa vengeance.

Ce film se concentre plus sur les traditions vikings, le cadre que sur l’histoire même. Toutefois, The Northman est brutal, sombre, époustouflant et énormément apprécié par quelques critiques. Ce long métrage est une prouesse qui ne dit pas son nom, où se mêlent mythologie et action dans un récit incroyable qui a captivé l’attention de plus d’un. Avec son côté mystique, sauvage, et épique, The Northman est un film viking comme on a n’en jamais vu.

The Woman King (2022)

Sorti le 28 septembre 2022, le film d’action historique The Woman King retrace la véritable histoire des amazones du Dahomey (actuel Bénin) au XIXème siècle en Afrique de l’Ouest. En effet, ces guerrières d’élite formaient une féroce unité qui était chargée de protéger le Dahomey dans les années 1820, alors qu’un royaume voisin plus puissant et plus grand commence à kidnapper ses citoyens pour les vendre aux marchands d’esclaves européens.

Inspiré de faits réels, cette œuvre cinématographique suit le destin épique de ces amazones ainsi que de leur général et chef des Agojiés dénommé « Nanisca ». Cette dernière entraîne et forme une nouvelle génération de recrues en vue de les préparer à l’affrontement qui les oppose à un ennemi déterminé à détruire leur mode de vie. Ces guerrières étaient dotées d’aptitudes physiques hors du commun ainsi que d’une fureur sans égal à ce jour. Réalisé par Gina Prince-Bythewood et joué par Viola Davis, John Boyega, Thuso Mbedu, et Lashana Lynch, The Woman King est une véritable claque et une histoire d’identité raciale et de fraternité. De plus, culturellement significatif, révolutionnaire et stimulant, ce film qui est déjà un énorme succès en Amérique a marqué l’esprit de grand nombre de cinéphiles et continue à le faire.

The Gray Man

The Gray Man est l’adaptation du roman portant le même nom écrit par Mark Greaney. Cette réalisation est à ce jour le plus gros budget de Netflix avec 200 millions de dollars investis. Réalisé par Joe et Anthony Russo, ce film d’action/Thriller est tout simplement fabuleux et suit l’action d’un tueur à gages prêt à tout pour survivre après que sa tête ait été mise à prix. Dans ce long métrage, l’agent de la CIA Court Gentry, alias Sierra Six, de nom de code « Gray Man » a été recruté puis formé en tant que Tueur à gages à la solde de la CIA par un officier traitant appelé Donald Fitzroy alors qu’il était enfermé dans une prison fédérale.

La situation changea radicalement suite à une mission qui s’est déroulée moyennement bien et faisant de lui désormais la cible de Lloyd Hansen, un ancien de la CIA et véritable psychopathe ainsi que de diverses organisations criminelles. Dès lors, Gentry est traqué sans relâche par Hansen et d’autres groupes déterminés à le poursuivre jusqu’au bout du monde pour l’éliminer. Sierra Six est alors aidé et couvert par Dani Miranda, un autre agent de la CIA. Joué par Ryan Gosling en tant qu’espion, Chris Evans comme méchant et Ana de Armas en tant que Miranda, The Gray Man est un chef-d’œuvre épique qui a été plutôt bien reçu par la critique. Devenu l’avenir du Streaming de Netflix, ce film est pressenti pour avoir une suite, un spin-off et peut être même un univers qui lui est dédié.

Bullet Train (2022)

Réalisé par David Leitch, Bullet Train (2022) est un blockbuster d’action joué principalement par Brad Pitt, Aaron Taylor-Johnson et Joey King. Dans ce long métrage, un assassin malchanceux dénommé Coccinelle tente d’accomplir sa nouvelle mission de la façon la plus paisible possible alors que les précédentes ont été de vrais fiascos.

Hélas, le destin en décide autrement et l’entraîne dans un train à grande vitesse qui voyage de Tokyo à Kyoto rempli d’assassins redoutables ayant tous un point en commun et des intérêts radicalement divergents. La mission de cet assassin consiste à voler une valise mystérieuse puis à descendre au prochain arrêt du train. De ce fait, Coccinelle doit alors utiliser tous les moyens possibles afin de s’emparer d’une cette valise et descendre du Train sans pour autant savoir ce qui l’attend à l’arrivée. Ce film est à la fois comique, épique, déjanté et époustouflant. C’est d’ailleurs pour cela qu’il impressionne depuis sa sortie dans les salles les cinéphiles du monde entier.

Doctor Strange in the Multiverse of Madness

Réalisé par Sam Raimi, Doctor Strange in the Multiverse of Madness est le 28ème blockbuster de l’univers cinématographique Marvel et le 5ème de la phase 4. Ce film fait voyager dans l’inconnu, et traverser les réalités dangereuses du multivers. Ce long métrage met en scène Benedict Cumberbatch dans le rôle de Stephen Strange alias Docteur Strange. Dans cette œuvre cinématographique, ce dernier essaye de protéger America Chavez, une jeune fille capable de parcourir le multivers. Le récit de ce film prend place des mois après les événements qui se sont déroulés dans le film Spiderman.

Strange demande l’aide de la sorcière rouge Wanda Maximoff pour pouvoir garantir la sécurité de cette adolescente. Mais, Wanda devient son ennemie et le poursuit pour capturer America Chavez et posséder son pouvoir lui permettant de créer des portails dans le multivers. Ainsi, afin de protéger cette dernière, Strange se livre dans un combat apocalyptique à travers plusieurs multivers où il retrouve d’autres versions de lui-même, mais aussi son véritable amour Christine Palmer. Avec Marvel repoussant les limites du multivers encore plus loin ainsi que les éloges reçus pour les performances des acteurs, ses visuels, et sa réalisation par Raimi, Doctor Strange in the Multiverse of Madness a marqué l’esprit de bon de nombre de téléspectateurs.

Connaissez-vous le chef d’œuvre Vipère au poing du réalisateur Philippe de Broca ? Quelle que soit la réponse, vous êtes au bon endroit ! Dans cet article, nous allons vous faire découvrir une pépite qu’il faut absolument regarder. Si vous connaissez déjà cette œuvre, vous serez ravi de vous en rappeler ! Voici notre analyse de cette oeuvre littéraire adaptée au cinéma.

Présentation de l’oeuvre Vipère au poing

Vipère au poing a été coscénarisé et réalisé par Philippe de Broca en 2004. L’histoire est basée sur un roman autobiographique d’Hervé Bazin qui raconte son enfance.

D’ailleurs, cette histoire adaptée au cinéma a été présenté au Festival du film Cinéfranco en 2005 à Toronto. Pour ceux qui ne le savent pas, Cinéfranco est le festival international de films francophones le plus éminent du Canada anglophone.

Vipère au Poing est également disponible en version audio pour ceux qui préfèrent l’écouter !

Résumé du livre Vipère au Poing

Jean et Freddie grandissent dans un château, sous la tutelle de leur grand-mère paternelle. Lorsque celle-ci meurt, leur père revient du Vietnam avec leur mère et leur jeune frère. En quelques minutes, leur mère se montre sous son vrai jour ! Et en quelques jours, elle a fait de leur vie un enfer.

Catherine Frot joue le rôle de Paule Rézeau, qui, dans un conte de fées, serait la méchante marâtre comparée à un serpent.

Malheureusement, c’est leur mère biologique, qui domine totalement les garçons. Sans oublier leur père (joué par le regretté Jacques Villeret) et toute la maison.

Une guerre ouverte entre les deux parties

La situation des garçons ne laisse aucune place à l’affection mère-enfant. Ce qui se développe est une guerre ouverte du côté de la mère et une guérilla du côté des garçons. Elle avait imposé un mode de vie très dur dans le manoir familial.

Par exemple, pendant l’hiver, elle avait interdit tout chauffage dans les chambres de ses enfants. Elle fut finalement surnommée par ces derniers « Folcoche« , combinaison des mots « folle » et « cochonne ». Le frère cadet, Jean (Jules Sitruk), est particulièrement déterminé à s’opposer à la tyrannie de sa mère, et il est très doué pour cela.

Du chef d’oeuvre littéraire au succès cinématographique

Le caractère glaçant de ce film ne provient pas seulement de la haine maternelle. Mais aussi du fait que les garçons sont manifestement de bons enfants. En effet, ils sont prêts à aimer leur mère et leur frère, et à se comporter de manière acceptable, voire admirable.

Deux versions du film: 1971 et 2004

En 1971, un premier film tiré du livre avait été tourné pour la télévision avec Alice Sapritch dans le rôle de la mère. Au cours de cette période, les téléspectateurs français avaient été impressionnés par son jeu.

Trente ans plus tard, il y a cette nouvelle adaptation par Philippe de Broca.

Les différences entre les deux versions de films

La version de 1971 est plus fidèle à l’esprit et aux thèmes du roman original, avec des décors parfaits et un casting magnifique. Les acteurs jouent avec la bonne quantité de ressentiment bouillonnant et de rage mûrissante. L’actrice Alice Sapritch était si terrifiante que toute actrice qui accepterait le rôle lui serait fatalement comparée. Le seul défaut du film de cette version de 1971 est qu’il est trop court.

Quant à celle de 2004, la principale différence est qu’il semble que le réalisateur de ce film essaie de trouver des excuses au comportement de Folcoche. Par ailleurs, quelques scènes ne figurent pas dans le livre et la fin du film a été changée et rendue heureuse !

De plus, Catherine Frot a bien joué son rôle mais n’était pas aussi froide et cruelle que « Folcoche » l’était dans le livre.

Quelle version est la plus plaisante: 1971 ou 2004 ?

C’est à vous de choisir laquelle regarder sans oublier que vous pouvez visionner les deux et vous faire votre propre opinion. En effet, il est toujours intéressant de voir comment deux jeux d’acteurs différents, à 30 ans d’intervalle, se débrouillent autour d’une même idée.

Notez que la version des années 70 n’est disponible qu’en français et en DVD.

Pourquoi aller regarder le film Vipère au Poing ?

La qualité des scènes

Le film comporte des scènes humoristiques et quelques moments chaleureux et touchants entre le père et les fils, mais le ton de base est sombre et menaçant.

Ce n’est pas un film chaleureux qui vous laissera avec une lueur de contentement, mais il est bien écrit, réalisé et interprété, et vaut vraiment la peine d’être vu.

Le jeu des acteurs

Si vous avez oublié Alice Sapritch et également le livre, vous pourrez vous régaler avec le film de 1971. Certes, il y a quelques défauts comme la voix off parfois désagréable mais ce film est un plaisir de le voir.Malgré tout, ce film reste passionnant du début à la fin. Nous le considérons comme un chef d’oeuvre incontournable des années 1970.

Dans la version de 2004, Jacques Villeret, à contre-courant, offre un excellent soutien dans le rôle du mari indifférent. Sans oublier le jeune Jules Sitruk, si bon dans Monsieur Batignole, qui offre une performance merveilleusement assurée dans le rôle du fils rebelle. Bref, il est difficile de trouver des défauts, qu’il s’agisse des acteurs ou de l’attention portée aux détails du décor d’époque.

Quelques films similaires à Vipère au Poing

Dans la littérature française, Vipère au Poing rappelle Poil de Carotte dont le film est réalisé par Julien Duvivier en 1932. Ces deux livres et cinémas mettent en scène les mères les plus terrifiantes qui soient. Et elles ne sont pas inventées car les mères de Bazin et de Jules Renard étaient respectivement Folcoche et Madame Lepic !

Oliver Twist du célèbre réalisateur Polanski, est également un classique littéraire semblable.

Conclusion

Le film Vipère au Poing réalisé par Philippe de Broca en 2004 et adapté du roman d’Hervé Bazin est vraiment intéressant et encore plus la version cinématographique de 1971.

Ce film est donc à voir et à revoir en famille. Avec plusieurs niveaux de lecture, il plaira aux petits comme aux grands.

A chaque génération se rattachent des icônes emblématiques du cinéma français. Tous ces comédiens sont parvenus à trouver un reflet dans notre regard. Ils ont ainsi joué un rôle essentiel dans la culture cinématographique française, reconnue dans le monde entier. Et aujourd’hui encore, une nouvelle génération d’acteurs est mise en lumière, du petit au grand écran.

Mais derrière ces grandes figures mises sur le devant de la scène, se cachent les techniciens et créatifs de l’audiovisuel. Ce savoir-faire à la française est très largement soutenu par des formations et écoles renommées tel que le Conservatoire Libre du Cinéma Français (CLCF – plus de détails). Ce sont ces établissements qui forment les réalisateurs, scénaristes, vidéastes, monteurs et costumiers de demain. Peu visibles aux yeux du grand public, ces experts participent à faire évoluer le cinéma, ses formats visuels, les innovations technologiques, le travail de l’écriture… une petite séquence de notre culture tricolore.

Des étoiles montantes parmi les acteurs de l’hexagone en 2022

Parmi les acteurs emblématiques des années 60 à 2000, nous nous rappelons toujours de Jean Gabin, Bourvil, Jean Paul Belmondo, Alain Delon, Michel Serrault… et bien d’autres. Ces figures emblématiques ont marqué notre culture du XXe siècle et continuent de nous inspirer.

Et de nos jours, de nouvelles figures prennent la relève de cette culture populaire. Voici une liste non exhaustive des étoiles montantes du paysage cinématographique français en 2022.

• Virginie Efira
• Jean dujardin
• Omar Sy
• Pierre Niney
• Timothée Chalamet
• Laure Calamy
• Camille Cottin
• François Civil
• Léa Seydoux
• Leïla Bekhti
• Félix Maritaud
• Ana Girardot
• Félix Moati
• Anamaria Vartolomei
• Karim Leklou
• Anthony Bajon

Ces figures nationales et parfois internationales ont souvent commencé par une école de théâtre, des petites pièces, quelques apparitions télévisées et même parfois des webséries sur Youtube, avant d’être propulsées au cinéma et dans les plus grandes productions audiovisuelles. Aujourd’hui ces acteurs de talent deviennent omniprésents dans les programmes.

… Et les autres métiers cachés du cinéma

Bien sûr, au cinéma, il n’y a pas que les acteurs. De très nombreux métiers sont nécessaires à la production et la réalisation d’un film : scénaristes, dialoguistes, directeurs artistiques, photographes, costumiers, monteurs, décorateurs, dessinateurs, créateurs d’effets spéciaux… Ces métiers de backstage constituent les ouvriers de l’audiovisuel.

Pour autant, il n’est pas impossible de briller dans ces métiers. De nombreux réalisateurs, scénaristes, décorateurs, monteurs vidéo… ont révélé leurs talents. Les scénaristes et réalisateurs sont les métiers techniques les plus médiatisés. On pensera notamment à ces nouveaux réalisateurs français très prometteurs de la “Nouvelle Nouvelle Vague” :

• Charline Bourgeois-Tacquet (réalisatrice)
• Alice Diop (scénariste et réalisatrice).
• Arthur Harari (acteur, scénariste et réalisateur).
• Maïmouna Doucouré (scénariste et réalisatrice).
• Fanny Liatard (réalisatrice).
• Jérémy Trouilh (réalisateur).

Le grand public retient rarement le nom des autres techniciens du cinéma français. Et pourtant, certains parviennent à se faire leur réputation !

On l’oublie souvent, mais le directeur de la photographie est l’un des métiers essentiels d’une production audiovisuelle. C’est lui qui va s’assurer que la lumière et les prises de vues soient parfaites. Il va ainsi diriger les électriciens et éclairagistes. Pour aller à la rencontre de ces professionnels de l’image, rendez-vous sur le site de l’AFC, association des directeurs de la photographie en France.

Le monteur vidéo et monteur son sont également parmi les échelons clés d’un film. Une fois que les prises de vues ont été effectuées, c’est lui qui va sélectionner les scènes et les assembler pour transcrire au mieux le scénario et la vision du réalisateur.

Les costumiers et costumières sont des métiers artistiques qui se rapprochent du monde de la mode et du textile. Ce sont eux qui réussissent à incarner une époque, une allure et un univers. Il existe aujourd’hui des écoles spécialisées dans ce métier très spécifique du monde de l’audiovisuel.

N’avez-vous jamais rêvé de gagner le jackpot au Casino ? Pour le personnage Ben Campbell, ce n’est plus un rêve mais un plan de carrière. En effet, son professeur de mathématiques entraîne en secret une petite équipe d’étudiants à compter les cartes au blackjack. Dans cette comédie dramatique, le réalisateur Robert Luketic réalise une fiction équilibrée et prenante. Bien entendu, nous avons adoré ce long-métrage qui possède tous les ingrédients d’un chef d’oeuvre. Alors quel est le thème principal du film ? Comment sont représentés les casinos au cinéma ? Nous irons également vérifier s’il est vraiment possible de remporter le jackpot.

Le rêve de l’ascension sociale

Dans ce film Las Vegas 21 (Le titre anglais est seulement « 21 »), Robert Luketic décide de confronter deux visions de l’ascension sociale.

L’intrigue se focalise en premier lieu sur un étudiant modeste et brillant de 21 ans, qui est admissible à la prestigieuse université d’Harvard. Timide, réservé, studieux, Ben Campbell passe tout son temps à étudier ou à travailler dans un magasin de vêtements pour homme d’affaires. Pendant ses rares temps de loisirs, il prépare avec 2 amis un concours scientifique. Tout le conditionne à avoir un avenir brillant qu’il aura atteint par le mérite et le travail. Pourtant, cet avenir est loin de le satisfaire…

L’étudiant semble emprisonné dans un modèle qui ne le satisfait pas. La fille qui lui plaît n’est pas intéressée par lui. Sa timidité l’empêche de s’affirmer. Il est rapidement confronté à un problème d’envergure : comment acquérir les 300 000 dollars nécessaires à sa scolarité à Harvard ? Le jeune Ben Campbell saisit alors l’opportunité proposée par son professeur de mathématiques, rejoindre l’équipe d’étudiants qui s’entraîne matin et soir à compter les cartes au Blackjack. Ainsi, un nouveau monde s’offre à lui : l’argent facile, les soirées à gogo, hôtels de luxe, débauche et surtout… Une nouvelle attitude pour conquérir la fille qui lui plait.

L’acteur Jim Sturgess joue à la perfection ce changement de personnalité et ce passage à l’âge adulte. Alors quel choix fera le personnage à la fin du film ? Pas de spoiler, on vous laisse le découvrir !

Las Vegas et le monde du casino au cinéma

De même que les stations balnéaires et les casinos en ligne de France, la ville de Las Vegas est très représentée au cinéma. C’est avant tout Martin Scorsese qui le met en avant dans son film Casino sorti en 1995.

Deux versants de la ville sont toujours mis en parallèle : une ville où tout est possible : luxure, jeux d’argent, cabarets… Dans Las Vegas 21, la ville est principalement représentée de nuit, pour mettre en valeur les buildings illuminés de toutes leurs lumières. Tout est fait pour montrer un monde idyllique où règne la fête. Cette idéalisation est montrée à travers le regard du personnage principal.

Le schéma du braquage, fil conducteur de Las Vegas 21

Le film reprend également le schéma classique d’un film de braquage. Le personnage principal, confronté à des difficultés d’argent, rejoint une équipe criminelle qui prépare un gros coup pour dérober le pactole. Tout est construit sur ce modèle bien rythmé.

Blackjack : Est-ce possible de gagner le jackpot ?

Il faut avant tout rappeler que ce film est inspiré d’une histoire vraie écrite par Ben Mezrick et nommée : Bringing Down the House: The Inside Story of Six MIT Students Who Took Vegas for Millions. En effet, cette technique de comptage de cartes est tout à fait possible au Black Jack, et certains l’ont déjà fait. Ce petit tour avait déjà été porté au cinéma dans le film Rain Man de Barry Levinson et sorti en 1988. Un autiste asperger parvient à compter les cartes et à remporter une somme très importante.

C’est pourquoi les casinos sont très surveillés, ils souhaitent éviter ce genre de triche. L’objectif du BlackJack est de faire un meilleur score que le croupier, sans dépasser 21 (le meilleur score appelé BlackJack). Sur un jeu de 52 cartes, il vous faudra donc une très bonne mémoire afin de vous rappeler des cartes qui ne sont pas encore tombées et battre la banque à coup sûr. Si vous avez bien compté, il vous suffit de tout miser sur cette partie gagnante. Les personnages du film ont constitué une équipe pour compter les cartes discrètement et tromper la sécurité du casino.

Si au contraire vous décidez de respecter les règles du casino, il vous est également possible de gagner une grosse somme d’argent, mais cela nécessite avant tout de la chance. En effet, statistiquement, vous aurez une chance infime de remporter le gros lot, un peu comme au loto. Si vous êtes raisonnable, vous pouvez également remporter de petits montants, sans non plus « dévaliser les caisses ». Ainsi, les jeux d’argent restent principalement un loisir. Seuls certains jeux comme le Poker sont constitués de joueurs professionnels. Basé sur la chance et le bluff, les participants ne jouent plus contre le casino mais contre les autres joueurs.

A l’occasion de l’édition 2021 du Festival International du Documentaire, le FIPADOC a projeté à Biarritz les 155 documentaires de sa sélection.

L’un des premiers festivals qui se déconfine

Alors que les salles de cinéma étaient toutes fermées en France depuis le 21 Octobre 2020, le FIPADOC 2021 n’a pas pu se tenir en janvier comme à son habitude. Pour rappel, les salles de cinéma, théâtres et musées étaient fermés depuis le 28 octobre 2021. La levée de l’interdiction le 19 mai 2021 a laissé une porte ouverte aux événements. L’équipe du festival de documentaires n’a pas hésité à saisir cette ouverture.

Le festival International du Documentaire attendait avec impatience la levée des interdictions et surtout le passage du couvre feu à 23h. Avec  seulement 1 mois de préparation, le Fipadoc 2021 se lance à Biarritz du 12 au 17 juin !

Pari réussi pour les organisateurs qui sortent en salle de nombreux films et courts métrages documentaires. De nombreux titres sortis en avant-première étaient très attendus. On retient notamment le film Edouard, mon pote de droite – Aux Manettes, qui retrace le parcours d’Edouard Philippe à Matignon en tant que premier ministre.

Les documentaires récompensés lors de la soirée de clôture du 16 juin

A l’occasion de la soirée de remise des prix du Fipadoc 2021, qui s’est déroulé le 16 juin dernier, 15 prix ont été décernés dans diverses catégories.

 

Le casting du film de Ridley Scott, Kitbag, retraçant la vie de Napoléon Ier, a été annoncé publiquement début mars, mais un détail fait jaser. Le couple d’acteurs choisi pour incarner à l’écran Napoléon Bonaparte et Joséphine de Beauharnais n’est autre que Joaquin Phoenix et Jodie Comer. Le talent des acteurs n’est pas ce qui fait polémique. C’est leur différence d’âge. Phoenix a 46 ans et Comer 27. Ce grand écart perturbe d’autant plus que dans la réalité historique, Joséphine était plus âgée de 6 ans que Napoléon. Cette erreur historique brise la dynamique et la crédibilité du biopic. De plus, le film est censé traiter de la jeunesse de l’empereur. Cette polémique est l’incarnation même d’une névrose hollywoodienne : l’âgisme.

Les hommes au cinéma, un droit de vieillir

Lorsqu’un homme passe la quarantaine, il est considéré comme mûr. Son pouvoir de séduction se métamorphose mais ne tarie pas. Nous pouvons observer ce phénomène avec George Clooney, Daniel Craig ou encore Brad Pitt. Le cheveux grisonne mais le charme s’amplifie. Étonnamment, nous n’observons pas ce même phénomène lorsqu’il s’agit des femmes. Cantonnées à des rôles mineurs de plus en plus rares, elles sont souvent dépeintes comme séniles, sédentaires et faibles. Elles n’ont pas de pouvoir de séduction. Si l’on s’en réfère aux statistiques obtenues par le Geena Davis Institute on Gender Media dans le cadre de leurs étude The Ageless Test, 29% des personnages féminins de plus de 50 ans sont montrés comme des personnes non attirantes, contre 12.9% pour les hommes. Cela peut passer par leur comportement casanier, mais aussi par l’apparence négligée que les films leur impose. Au-delà de leur apparence et de ce qu’elles dégagent, leur importance dans les scénarios est dégressive. Selon l’étude menée en 2016 par le site Polygraph, plus les femmes prennent en âge, moins elles ont de répliques dans les films. Le site a analysé les scénarios de plus de 2000 films et voici son constat: “les actrices entre 22 et 31 ans ont prononcé 21 millions de mots (soit 38% du total féminin), les 32-41 ans, 18 millions, et les 42-51 ans, 11 millions”. C’est encore plus effarant lorsqu’il s’agit de femmes de plus de 65 ans. Elles ne représentent que 3% des répliques féminines. Cette précision est d’autant plus révélatrice lorsque l’on sait que les femmes détiennent en moyenne moins de la moitié des répliques dans les films. Cette dynamique dégressive interroge. En effet, à l’inverse, plus un homme vieillit, plus son nombre de répliques augmente: “les acteurs entre 42 et 65 ans s’accaparent 39% des répliques masculines au cinéma, contre 32% pour les 32-41 ans, et 20% pour les 22-31 ans”. Cette dynamique inverse est révélatrice d’un problème plus large. Les femmes âgées sont mises sous silence ou rendues invisibles. Cela implique donc nécessairement que les actrices de plus de 50 ans ne se voient plus offrir autant de rôles qu’avant.

Les couples à l’écran, la vision hollywoodienne

En 2015, l’actrice Maggie Gyllenhaal dénonçait l’âgisme dont elle a été la victime lors d’un casting. Auditionnant pour incarner le love interest d’un homme de 55 ans, elle s’est vue refuser le rôle pour un motif étonnant. En effet, il semblerait que l’actrice de 37 ans soit trop vieille. Trop vieille pour avoir une relation à l’écran avec un homme d’une cinquantaine d’années? L’absurdité de la situation a fait rire jaune les actrices hollywoodiennes. Meryl Streep dénonçait déjà ces pratiques, Carrie Fisher, Andie MacDowell ou encore Jane Fonda également. C’est un sujet peu abordé de façon sérieuse par le cinéma. Cette récurrence ne s’observe pas uniquement qu’à Hollywood. En France par exemple, les femmes de plus de 50 ans ne représentent que 8% des personnages et en 2016, cela passe à 6%. Ces chiffres sont très récents. Mais cet âgisme est une tradition chevillée à l’histoire du cinéma. Le réalisateur allemand Rainer Werner Fassbinder aborde l’âgisme quotidien dans son film Tous les autres s’appellent Ali (1974).

Le film retrace l’histoire d’amour d’Emi (Brigitte Mira) et d’Ali (El Hedi ben Salem). La « particularité » de leur relation c’est qu’Emi est nettement plus âgée qu’Ali. Leur couple devra subir les jugements à la fois racistes (Ali est un immigré) et misogyne. Ce qui frappe dans ce film, c’est le casting. Fassbinder opte pour une honnêteté totale : Emi est une femme âgée, son interprète doit également l’être. C’est un réalisateur qui aime tourner fréquemment avec les mêmes acteur.trices. Brigitte Mira est l’une d’elle. La façon dont il la met en scène, dont il met en scène la relation entre le couple force l’esprit réflexif du spectateur. Il le place face à ses propres préjugés intériorisés. Dans la scène d’ouverture, Emi entre dans un bar. Elle porte un long manteaux noir austère. Un groupe de jeunes hommes et de jeunes femmes l’observent, critiques. La serveuse, grande, blonde, maquillée, incarnant tous les critères de la beauté normative de l’époque (ses petits airs de Bardot n’échappent pas à nos yeux), s’approche d’elle, nonchalante, pour prendre sa commande. Le caractère des deux femmes est diamétralement opposé: Emi est curieuse, gentille et polie; la serveuse est impatiente, oisive et impertinente. Fassbinder renverse un premier schéma: c’est l’allemande blanche prolétaire et propre sur elle qui débarque dans un milieu d’immigrés marocains. Elle est l’intruse, l’objet des regards méfiants. Ces regards construisent le film, et construisent notre expérience spectatorielle. Les amis d’Ali l’encouragent à inviter Emi à danser. A la surprise générale, il accepte et se dirige vers elle. Nous nous attendons à ce qu’elle refuse, interprétant la démarche d’Ali comme quelque chose de moqueur. Mais elle accepte. Elle se lève et retire son long manteau noir qui se substitue à une belle petite robe bariolée pleine de couleur. Plot Twist. Emi se dévoile à nous. Ce simple geste interpelle et remet en considération tous nos présupposés. Fassbinder introduit son personnage en tant que femme dont la fraîcheur ne se fane pas avec l’âge. Il prend le contrepied de la norme. Il la mouche. Sans cesse, il perturbe notre morale. Instinctivement, cette relation nous apparaît comme étrange, malsaine, dérangeante. Nous ne cessons de nous répéter “non ils n’iront pas jusque là”. Et pourtant si. Il va jusqu’au bout. Il reprend les codes de la romance, souvent associé aux couples hétérosexuels, et les plaques sur ce duo mixte et dont la différence d’âge perturbe. Au-delà du propos sur l’immigration et le racisme décomplexé de la société allemande des années 1970’s, il dissémine ce propos sur l’âgisme au féminin. Les collègues d’Emi critiquent cette relation. Une réplique résume ce phénomène d’amputation de tout pouvoir de séduction des femmes âgées. L’une d’elles s’indigne du fait que “ces hommes” (les maghrébins) n’aient même pas le respect de l’âge. Elle présuppose que ce paramètre fatale régie la vie sexuelle d’une femme. Les femmes âgées ne désirent plus. Elles aiment platoniquement, par habitude. Elles sont seules. Elles redeviennent des modèles de vertue, des figures virginales. C’est ce que leur impose la vieillesse, et ce beaucoup plus tôt que pour les hommes.

La Femme, objet sexuel et transformation physique au cinéma

On associe l’attractivité d’une femme à son horloge biologique. Passé la ménopause, tout pouvoir de séduction leur est retiré. Hollywood est une industrie gérée dans un premier temps par des hommes. Ils ont vu en cet outil un moyen de plaquer leurs désirs et leurs fantasmes sur la pellicule. Hollywood norme et est normée par le prisme spectatoriel. Le public veut du glamour? Nous lui en donnerons. Le public veut des rôles de jeunes premières sauvées par des mâles mûrs? Nous lui en donnerons. Ces volontés sacrés de l’audience ont régi les codes du grand écran. Dans le documentaire Sois Belle et tais toi (1981) de Delphine Seyrig , Jane Fonda explique comment elle a dû adapter son corps et son comportement pour correspondre à l’étiquette que sa maison de production avait collé sur son front.

Extrait du film Sois belle et tais toi (1981), de Delphine Seyrig.

L’image des femmes est administrée par ses supérieurs. Dans ce contexte, par des hommes. Perte de poids, tailles de guêpes et peau de porcelaine étaient de rigueur. La jeunesse incarne le summum de la beauté. Une jeunesse qui subit inévitablement ce que nous nommons les « ravages de l’âge ». Cette obsession de la jeunesse éternelle, on nous l’assène en permanence. Au cinéma comme à la télévision. La publicité nous assomme de produits rajeunissant. Pour être belle, il ne faut pas vieillir. Il faut abolir ce processus naturel du corps. En somme, pour être belle, il ne faut pas vivre. L’ironie fut de placer comme porte parole de la vieillesse bien vécue des mannequins et actrices d’une petite quarantaine d’années. Nous finissons par nous demander où sont passées les femmes de plus de quarante ans dans nos médias?

Les femmes au cinéma, une retraite anticipée ?

Au cinéma, nous l’avons déjà observé, elles partent en retraite anticipée.

Bien entendu, certaines d’entre elles parviennent à conserver leur place. Frances McDormand, récemment oscarisée, continue de s’imposer à 63 ans. Meryl Streep continue de nous subjuguer à 71 ans. Mais ce doute, cette angoisse de ne plus être appelée ne les a pas épargnés. Meryl Streep raconte même que, le jour de son quarantième anniversaire, elle regarda gravement son mari et lui demanda comment elle allait faire, maintenant qu’elle n’était plus bankable. Cette angoisse est d’autant plus inquiétante lorsque de jeunes actrices d’une vingtaine d’années sont choisies pour camper des rôles de femmes de plus de trente ans. C’est ce qui est arrivé à Jennifer Lawrence. A plusieurs reprises elle s’est vue choisie pour ce genre de rôles, à seulement 22 ans. Le talent de l’actrice n’est pas ce qui peut faire tiquer. Mais la question que nous pouvons nous poser est: pourquoi ne pas avoir choisie une femme de trente ans? N’y en a t il pas à Hollywood? De plus, l’écart d’âge entre elle et ses partenaires masculins dans ces films oscillent entre la dizaine et la quinzaine d’années presque à chaque fois. L’idée ici n’est pas de blâmer les relations avec écarts d’âge. Cependant, force est de constater que cet écart d’âge entre homme et femme est récurrent, voir systématique.

Fred Astaire et Audrey Hepburn, 30 ans d’écart dans Funny Face. Will Smith et Margot Robbie, 18 ans d’écart dans Diversion. Liam Neeson et Olivia Wilde, 32 ans d’écart dans The Third Person. Roger Moore et Tanya Robert, 28 ans d’écart dans Dangereusement vôtre. Ces exemples ne sont qu’une ridicule poignée face à la quantité d’autres couples dont l’écart d’âge entre homme et femme représente un fossé. Dans l’étude menée par le site Women and Hollywood, How Much Older Are Male Leads in Romantic Films than their Female Co-Stars, nous sommes les témoins d’un constat déboussolant.

Ces statistiques exposent la différence d’âge moyenne d’un panel d’acteurs et d’actrices avec leurs partenaires de jeu. Ce panel a été établi en se fiant au nombre de rôles obtenus dans le panel de films initial (l’étude repose sur plus de 400 comédies romantiques et romances dramatiques réalisées entre 1984 et 2014). Comme le souligne le graphique, seulement 28% du panel masculin a en moyenne un âge inférieur à celui de leur partenaire féminine. En ce qui concerne le panel d’actrices, seulement 11% a en moyenne le même âge ou est plus âgée que leur partenaire masculin. Cette constante de représentation laisse dubitatif. Lorsque le cinéma est censé représenter la réalité, nous constatons qu’il en occulte une part. Ce qui interroge dans cette étude, c’est l’incapacité des réalisateurs.trice, scénaristes ou encore producteur.rices à former des couples du même âge. De plus, cet écart ne se fait que dans un sens. Cette volonté de présenter la femme, jeune, belle et séduisante est quasi systématique. Le cinéma forme les esprits. Ce qu’il représente marque, permet aux plus jeunes de se construire, à la société de se construire. C’est la raison pour laquelle la notion de représentation est aussi importante. Comme le souligne Jeanne Balibar, les femmes de plus de quarante ans représentent plus de la moitié de la population féminine, mais ne représentent que 8% des rôles en France, et 2% du temps à l’écran au cinéma. Carrie Fisher l’expliquait avec humour et justesse: « Les hommes ne vieillissent pas mieux que les hommes; ils sont simplement autorisés à vieillir« .

Cette forme de stigmatisation de la femme va parfois plus loin. Hollywood propose des rôles de grand-mères à des actrices de 40 ans. Ce phénomène a été observé chez Meryl Streep mais aussi chez Carrie-Ann Moss. Pour pallier ce problème, certaines femmes militent, prennent en main leur propre destin. C’est par exemple le cas de Jane Fonda qui a migré vers la télévision pour incarner le rôle de Grace dans la série Grace & Frankie. Meryl Streep, quant à elle, a fondé le Writers Lab, laboratoire pour les femmes scénaristes de plus de 40 ans. Certaines études ont d’ailleurs démontré que la présence des femmes de plus de 50 ans était plus fréquente dans les films réalisés et/ou écrits par d’autres femmes. Bien entendu, c’est une donnée à accueillir avec délicatesse. Mais le constat est tout de même là. Du reste, lorsque nous parlons de femmes de plus de 50 ans, une approche intersectionnelle est plus ou moins à abroger. Dans l’étude The Ageless Test, évoquée plus tôt, il est prouvé que de tous les personnages de plus de 50 ans, 78% sont blancs. En ce qui concerne l’orientation sexuelle, l’hétérosexualité reste une norme en englobant 98% des couples de plus de 50 ans dans le cinéma hollywoodien. Les hommes et les femmes transgenre ainsi que les personnes non binaires ne représentent qu’une infime partie des rôles. Infime reste encore un euphémisme. Du reste, des films mettant en scène des couples homosexuels « seniors » existent. Nous pouvons penser au très récent Deux, primé aux Césars 2021. Mais leur rareté, pour ne pas dire leur inexistence, ne nous permet pas de les inclure totalement dans la réflexion. Du moins, pas encore !

Avec passion et dévouement, les réalisations de Bertrand Tavernier ont sublimé le 7e art depuis la fin des années 50. Ce cinéaste récompensé à de multiples reprises, n’a cessé de partager avec son public ce lien si singulier qu’il entretenait avec l’univers cinématographique.

Chaque film qu’il réalisait était nourrit par cette volonté d’offrir un cinéma vivant, réel, sincère, à la fois dramatique, humoristique et témoin de nombreux engagements. C’est ainsi qu’il perçoit le cinéma depuis son plus jeune âge alors qu’il séjourne au Sanatorium pour soigner sa tuberculose et qu’il visionne pour la première fois de sa vie une œuvre cinématographique.

Il était convaincu que les films agissaient “comme des fenêtres, des ouvertures sur le monde” en interrogeant notre société. Bertrand Tavernier, emblème du cinéma français, est décédé le 25 mars 2021 à 79 ans, laissant derrière lui un héritage symbolique.

Bertrand Tavernier présente une filmographie éclectique

Quand on évoque le nom de Bertrand Tavernier, on pense tout de suite à certains de ses films emblêmatiques tels que Un coup de Torchon (1981), L’horloger de Saint Paul (1974), Le juge et l’assassin (1976) ou encore Capitaine Conan (1996).

C’est l’occasion pour nous de vous faire (re) découvrir ces films cultes et de se replonger dans l’univers de Bertrand Tavernier. Dès ses débuts, il a su proposer des films d’époques et contemporains avec une certaine préférence pour les sujets sociétaux.

L’horloger de Saint Paul (1974)

Il s’agit d’une adaptation libre du roman de Georges Simenon. L’horloger de Saint Paul se déroule à Lyon, dans la ville natale de Bertrand Tavernier. S’agissant de son premier long métrage, Tavernier filme la ville sous toutes ses formes et invite délibérément le spectateur à se plonger dans une ambiance lumineuse et vivante, un décor contrasté à celui d’un polar classique.

Dans l’Horloger de Saint Paul, Tavernier dénonce l’absence de communication entre un père et son fils. Le spectateur sera touché par les personnages qui se dévoilent dans les moments de silence, les phrases anecdotiques …donnant un aspect dramatique au film. Ici le père ne cherche pas véritablement à comprendre le motif du meutre de son fils mais souhaite recréer un lien avec ce dernier.

L’horloger de Saint Paul a remporté en 1974 le Prix Louis-Delluc.

Le film est actuellement disponible sur la plateforme Netflix

Le juge et l’assassin (1976)

Dans cette œuvre, Tavernier présente une France meurtrie. Il montre le désespoir, la violence et la transformation des anciens soldats ayant combattu pendant la première guerre mondiale. Des hommes abandonnés par les institutions qui tentent d’oublier le passé et de les condamner.

 

Coup de torchon (1974)

Coup de torchon est une adaptation, libre, du roman de Jim Thompson publié en 1964 intitulé 1275 âmes. Le film s’est également inspiré du roman Voyage au bout de la nuit de Céline et Voyage au Congo de Gide.

Ce film est met en scène le racisme, le meurtre et l’inceste. Emprunt de cynisme et de noirceur, le roman qui se passait initialement aux Etats Unis est transposé dans le nord-ouest du Sénégal.

Le film a été nominé 9 fois au Césars et 1 fois au Oscar pour le meilleur film étranger.

Il est actuellement disponible sur la plateforme Netflix

L’héritage de Bertrand Tavernier

La carrière de Bertrand Tavernier n’a jamais cessé d’être distinguée et appréciée. Pourtant, malgré ses multiples récompenses, il a toujours dû se battre pour que ses films puissent voir le jour.
Dans chacunes de ses œuvres cinématographiques, on retrouve ce goût pour l’engagement, la sincérité, la vérité humaine. Il offre aux spectateurs un cinéma libre, sans chercher à tout prix à classer les auteurs. Il transmet simplement ce qui le touche, l’émeut, le trouble, le questionne.

Ses réalisations sont la signature d’un grand cinéphile, engagé et passionné, investi tout au long de sa vie à la transmission de films et à la reconnaissance d’un cinéma français indépendant.

On ne regarde plus les films de la même façon après l’éclairage de Bertrand Tavernier.

Si de nombreux films français n’ont pas de mal à s’exporter, les séries françaises peinent à décoller à l’international. Seules quelques séries ont réussi à s’exporter, tel que Le Bureau des Légendes (5 saisons) ou Dix pour Cent (5 saisons – nommée en anglais « Call My Agent! »). Ce format qui est né aux Etats-Unis, a permis aux plus grandes séries US une diffusion mondiale, et cela encore aujourd’hui. Mais un pays européen se démarque de plus en plus dans la production de séries à succès : l’Espagne aujourd’hui produit de nombreux programmes audiovisuels à succès. Voici la recette de leurs succès ainsi qu’un listing de leurs succès mondial.

Le rôle de Netflix dans l’exportation des séries

En financant de  nombreuses séries dans chaque pays, Netflix se crée un catalogue de séries originales sur lesquelles elle a une exclusivité de diffusion. Cette stratégie permet notamment de proposer des programmes adaptés à chaque pays. Mais pour rentabiliser ces investissements, les séries à succès sont exportés à l’international. Pour cela, de nombreuses séries Netflix sortent en même temps dans le monde entier (alors que d’autres programmes ne connaissent qu’une sortie nationale sur la plateforme). On compte sur Netflix plus de 20 séries espagnoles diffusées dans le monde entier, dont La Casa del Papel, Elite, Les demoiselles du téléphone, Fugitiva, Coup pour coup…

Les séries Espagnoles qui ont connu un succès mondial

Si la france a toujours privilégié le long-métrage comme format par excellence, l’Espagne est un pays précurseur dans les séries télévisées à succès. Voici quelques titres espagnols incontournables que vous avez certainement déjà vu !

Un, dos, très… la série pour ado des années 2000.

Dès les années 2000, cette série pour adolescent nommée Un, dos, très (Titre original : Un Paso Adelante) fait un carton à l’international. Un groupe de jeunes étudiants se retrouve dans l’une des plus prestigieuses écoles d’art scénique. Au programme : danse, chant, sorties, histoires d’amour et disputes…

La Casa de Papel, le phénomène mondial.

Il s’agit de l’un des plus grands succès mondiaux : La Casa De Papel est une série espagnole créée et réalisée par Álex Pina. D’abord diffusée localement sur la chaine espagnole Antena 3, les droits de diffusion mondiale sont rachetés par Netflix. Un homme mystérieux surnommé El Professor planifie le plus grand braquage jamais réalisé. Composée 8 escrocs triés sur le volets, la bande de malfaiteurs deviennent un symbole de rébellion contre le pouvoir et les institutions financières. Le masque utilisé par les ravisseurs devient un symbole de révolte du peuple, un symbole similaire aux Anonymous.

Elite, la confrontation entre classe ouvrière et classe aisée.

Cette série créée par Darío Madrona et Carlos Montero est diffusée mondialement sur Netflix depuis octobre 2018. 3 jeunes adolescents de la classe ouvrière sont sélectionnés pour intégrer le prestigieux lycée Las Encinas ou sont formés les élites, issues de familles très riches. Pour s’intégrer, ces 3 jeunes devront être exemplaires, jusqu’à ce qu’un meurtre se produise dans l’enceinte de cette école. Réussirez-vous à trouver le coupable ? Elite saison 4 est en cours de préparation et devrait sortir courant 2021 sur Netflix !

Les demoiselles du téléphone, série espagnole historique.

Il s’agit de la première série espagnole produite par Netflix. Sorti en 2017, cette fiction de 5 saisons retrace le travail des standardistes en charge de la transmission des communications téléphoniques en 1920. 4 jeunes femmes sont mêlées à des avantures et des situations qui les forceront à se dépasser. Cette série reçoit 3 récompenses dont le prix de meilleure série espagnole diffusée en France, pour le festival Montée Ibérique Awards 2017.

Après toi le chaos, un thriller palpitant…

Cette série espagnole nommée El Desorden que dejas est une adaptation du roman du même nom de Carlos Montero sorti en 2016. Raquel s’installe avec son mari dans une petite ville du sude de l’Espagne, et trouve un poste de professeur de littérature dans le lycée de la ville. Très vile, elle se rend compte que

De nouvelles séries espagnoles en préparation

Après le succès fulgurant des séries espagnoles ces dernières années, de nombreux nouveaux programmes sont en préparation. En premier lieu, c’est Amazon qui diffuse la nouvelle série espagnole nommé L’internat : Las Cumbres. Une nouvelle production espagnole nommée Sky Rojo sera également bientôt visible sur Netflix !

Alors que ce film était prévu pour une sortie cinéma en 2020, la crise du Covid-19 a bouleversé son scénario. Cette libre adaptation du célèbre jeu vidéo sorti en 2016 sortira finalement en exclusivité sur Netflix. Le réalisateur en charge de diriger le film n’était autre que David Leitch, mais les retards du tournage en 2020 on changé ses plans. David Leitch est occupé à la réalisation de son propre film Bullet Train, également prévu pour 2021.

Ce sera finalement Rawson Marshall Thurber qui reprendra la réalisation du film. David Leitch reste néanmoins producteur du film.

La fête de la bière de Munich, mondialement connue sous le nom de l’Oktoberfest, s’invite sur Netflix. La série L’Empire Oktoberfest, sortie le 15 septembre 2020 aurait dû participer à la promotion de l’événement qui a lieu à la même période. Mais il n’en est rien. Les conditions sanitaires liées à la Covid-19 ont entraîné une annulation de l’événement.

Pour vous consoler d’avoir manqué ce festival incontournable, Cette nouvelle série Netflix vous entraîne dans l’univers de la fête en retournant aux origines de ce rassemblement populaire en 1900. Mais s’agit-il d’un documentaire ? Qui est-à l’origine de cette série ? Une suite est-elle attendue ?

Retour sur l’une des plus grandes fêtes en Europe

Cet événement vieux de plus de 200 ans est devenu un festival culturel incontournable et a placé Munich comme capitale culturelle et artistique de l’Allemagne. Créée en 1810 à l’occasion du mariage du roi Louis Ier de Bavière, cette fête s’est alors répétée pour fêter les anniversaires du mariage. Pourtant, c’est au cours du règne de Louis II de Bavière, que Munich devient une très grande capitale économique, artistique et culturelle. Le reflet de cette puissance de la capitale Bavaroise se reflète dans l’Oktoberfest, qui devient rapidement un événement culturel international.

L’Oktoberfest est un festival incontournable en Europe, surtout si vous aimez la bière et souhaitez découvrir la culture Bavaroise. De nos jours, cet événement attire chaque année plus de 6 millions de visiteurs au cours de 8 jours de festivités. Si vous souhaitez y assister, vous pourrez découvrir les danses traditionnelles allemandes et écouter des orchestres comme Bergvagabunden, Munchener Zwietracht ou Kirchdorfer. Mais les visiteurs y viennent principalement pour y déguster les meilleures bières du pays et accéder à l’ensemble des attractions de la fête foraine qui se dresse aux alentours.

Une série Dramatique riche en émotion

Après la série allemande Barbares, qui mettait à l’honneur les tribues germaniques en l’an 9, la série Netflix met en avant la culture Bavaroise, et très spécifiquement l’événement phare de Munich, la célèbre fête de la bière, l’Oktoberfest ! Pourtant, il ne s’agit pas d’un documentaire. Les réalisateurs Christian Limmer et Ronny Schalk vous plongent dans l’histoire bavaroise en l’an 1900. Cette fiction est pourtant inspirée de faits réels, comme l’annoncent les premières minutes de l’épisode 1. Initialement produite par la chaine publique allemande Das Erste, c’est Netflix qui achève la série.

Mais que raconte cette série ? Ce festival est au cœur de la culture allemande et de la région bavaroise. Pourtant, la fête de Munich, aussi réputée qu’elle soit, est une fête de village, jusqu’en 1900 où certains investisseurs et quelques brasseurs entrepreneurs voient plus grand… L’intrigue démarre avec l’arrivée du bourgeois Curt Prank, accompagné de sa fille. Alors qu’il essaye de conquérir la noblesse bavaroise, des événements imprévus lui obligent à revoir ses plans…

Cette série historique confronte la haute société et la bourgeoisie à la classe ouvrière qui essaye de s’émanciper. Complots, meurtres, trahisons, amours… mais surtout l’authenticité des décors et des acteurs talentueux annoncent un succès prometteur pour l’Oktoberfest 1900. Une saison 2 est déjà annoncée par Netflix pour 2022 !